GALERIA DE PROYECTOS
UNA SELECCIÓN DE LOS PROYECTOS MAS RELEVANTES QUE SE HAN DESARROLLADO
01 / Heaven & Hell
Heaven & Hell es una línea de cervezas de edición limitada desarrollada para Cervecería Genial, concebida como un proyecto integral donde el empaque funciona como un sistema narrativo completo. La línea ha sido galardonada con tres premios, tanto a nivel nacional como internacional.
El proyecto se desarrolló desde cero, partiendo de un ejercicio de storytelling que dio forma a cada decisión creativa y estratégica. A partir de este eje conceptual se construyeron los nombres de las cervezas, las ilustraciones, el diseño gráfico y el lenguaje visual general de la línea.
El alcance del proyecto incluyó el desarrollo y registro de marca, la definición de sistemas gráficos, la selección de materiales, así como la supervisión de procesos de impresión y producción, asegurando coherencia entre concepto, ejecución y resultado final.
Heaven & Hell representa un enfoque donde diseño, narrativa y producción se integran para crear una experiencia de marca sólida, consistente y reconocible, culminando en la entrega de un producto final alineado con los objetivos creativos y comerciales de la cervecería.
02 / Linea de mobiliario Beat
Beat es una línea de mobiliario plano para armar sin herramientas, diseñada para ser sostenible, adaptable y estética. Ganadora del A’ Design Award 2016 en la categoría Furniture Design por su innovación en ensamblaje, transportación "flan-pack", materiales ecológicos y claridad de propósito. La linea abarca sillas, sillas lounge, mesas, mesas laterales y de centro, sillones, bancos, mecedoras.
03 / Cava de vinos Paternina
La cava de vinos "Paternina" fue diseñada para contener 24 botellas de vino con una exhibicion poco usual en supermercados en donde resalta el producto de una manera natural debido a que el producto y el exhibidor conforman un todo visual atractivo a los consumidores.
04 / Osario Brewing
El proyecto de diseño para Osario Brewing se centró en la creación de una línea de cinco latas de cerveza artesanal, cada una con una identidad única, pero unidas bajo un concepto gráfico central: el cráneo humano como símbolo universal de lo ritual, lo místico y lo atemporal.
La conceptualización partió de la idea de reflejar el carácter intenso y auténtico de cada estilo de cerveza mediante ilustraciones detalladas de cráneos, cada uno con rasgos y atmósferas distintivas que transmiten personalidad y fuerza visual. Las ilustraciones se desarrollaron con un estilo de alto impacto, integrando texturas, luces y sombras para lograr un efecto dramático y memorable.
05 / Stand Las Vegas Market
El stand para la expo Las Vegas Market galardonado con el premio "Las Vegas Market Best Booth" fue concebido con el concepto de flat-pack y ensamble sin herramientas, un stand de 6 x 6 m que solo se ensambla mediante cuñas, estuve a cargo de el diseño y la producción de el stand fabricado en triplay de bambú de 1 pulgada y madera de ingeniería Valchromat.
06 / Linea de Cerveza Calaveras
Calaveras es una línea diseñada para Cervecería Genial desarrollada a partir de un proceso de diseño conceptual que conecta el lenguaje gráfico contemporáneo con las raíces culturales de México. El proyecto inició con una investigación visual y simbólica de distintas civilizaciones precolombinas —Huichol, Maya, Otomí, Azteca y Mixteca— que dio origen a un sistema narrativo donde cada cerveza define su identidad. A partir de este storytelling, se construyeron los nombres y se desarrollaron ilustraciones digitales originales de calaveras, concebidas como personajes rituales que representan el espíritu de cada cultura. Las latas integran patrones, símbolos y paletas cromáticas específicas, junto con tipografías personalizadas inspiradas en lenguas originarias. Impresas en shrink-sleeve, las piezas logran coherencia visual y narrativa, equilibrando modernidad y tradición mediante un lenguaje gráfico místico, poderoso y artesanal.
07 / Urna para mascotas
Este proyecto nace desde la necesidad de resignificar la despedida de una mascota, entendiendo el duelo no como ausencia, sino como transformación del vínculo. La urna se concibe como una pieza escultórica en resina, pensada para perros y gatos, donde forma y narrativa trabajan de manera indivisible.
El eje conceptual se construye a partir del corazón como contenedor simbólico de la memoria. En su interior se alojan las cenizas de la mascota, representando el núcleo emocional que permanece. Desde este corazón descienden una serie de venas que conectan visual y conceptualmente con la base de la pieza, estableciendo un flujo continuo entre el recuerdo y su materialización.
En la base, suspendida dentro de la resina, aparece la figura del perro o del gato —según el caso— con alas, flotando en un estado de transición. Esta figura, realizada en material glow in the dark, introduce una lectura íntima y silenciosa: incluso en la oscuridad, la presencia sigue siendo perceptible. No como algo físico, sino como memoria viva.
El storytelling fue clave para el desarrollo del proyecto. Cada elemento formal responde a una intención narrativa precisa: el corazón como origen, las venas como vínculo y la figura alada como liberación. La elección de la resina permite encapsular el tiempo, congelando el instante y otorgando a la pieza una cualidad casi ritual, más cercana a una escultura conmemorativa que a una urna tradicional.
El resultado es un objeto que trasciende su función utilitaria para convertirse en un símbolo emocional, donde diseño, materialidad y narrativa se integran para honrar la vida y el vínculo con una mascota desde una mirada sensible y contemporánea.
08 / Pringles Bulk Dispenser
Este proyecto consistió en el diseño y desarrollo de un exhibidor para Pringles destinado al mercado brasileño de tiendas de conveniencia, con el objetivo de introducir un nuevo modelo de consumo: la venta de papas a granel, manteniendo los estándares de higiene, calidad y experiencia de marca.
El punto de partida conceptual fue reinterpretar el bote icónico de Pringles como un cartucho funcional. Este cartucho no solo actúa como contenedor del producto, sino como parte activa del sistema de dispensado, integrándose directamente al mecanismo del exhibidor.
El principal reto del proyecto fue el desarrollo de la ingeniería necesaria para lograr un mecanismo capaz de dispensar una papa a la vez de forma consistente, sin fracturas y sin contacto humano en ninguna etapa del proceso. Esto implicó múltiples pruebas de geometría interna, tolerancias, ángulos de salida y control de fricción, asegurando un flujo preciso independientemente del nivel de carga del cartucho.
El sistema fue diseñado para permitir un surtido eficiente y seguro de los cartuchos, facilitando su reemplazo en tienda sin comprometer la integridad del producto. La arquitectura interna del exhibidor garantiza que las papas permanezcan protegidas durante todo el recorrido, reforzando los criterios de higiene requeridos para la venta a granel en punto de venta.
En términos de diseño industrial, la forma del exhibidor responde tanto a necesidades funcionales como comerciales. Su silueta vertical optimiza el espacio en tiendas de conveniencia y asegura alta visibilidad, mientras que la integración gráfica mantiene una lectura inmediata de marca. La selección de materiales se realizó considerando resistencia, facilidad de limpieza, durabilidad en entornos de alto tráfico y compatibilidad con procesos de producción en serie.
Los procesos de fabricación fueron definidos desde etapas tempranas del proyecto, alineando el diseño con métodos industriales viables y escalables. Cada decisión formal y técnica se tomó bajo un enfoque de manufactura eficiente, mantenimiento sencillo y operación intuitiva para el personal en tienda.
El resultado es un sistema que transforma el empaque en infraestructura de venta, combinando diseño, ingeniería y experiencia de usuario para expandir la presencia de Pringles en nuevos formatos de consumo, sin perder control, higiene ni coherencia de marca.
09 / Linea de Cerveza Albur
Albur es una línea de cuatro cervezas artesanales desarrollada para Cervecería Genial, concebida desde el inicio como un proyecto donde diseño, lenguaje y cultura popular mexicana se integran en una sola narrativa visual. El concepto parte del albur como forma de comunicación profundamente arraigada en México: un juego de dobles sentidos que combina ingenio, humor y contexto cultural.
El desarrollo del proyecto se estructuró a partir de los adjuntos utilizados en cada receta, tomando como base ingredientes provenientes de la herbolaria mexicana —plantas, especias y elementos tradicionales— no solo como aporte sensorial, sino como detonantes conceptuales. Cada cerveza construye su identidad gráfica a partir de estos ingredientes, traduciéndolos en símbolos, patrones y códigos visuales que refuerzan su origen y carácter.
La selección cromática responde a esta lógica: colores vibrantes y contrastantes que remiten tanto a los ingredientes naturales como al imaginario popular mexicano, buscando equilibrio entre expresividad y claridad visual en anaquel. El sistema de color permite diferenciar cada variedad sin romper la unidad de la línea.
En el apartado tipográfico, el proyecto se apoya en una tipografía de carácter retro, inspirada en el lenguaje gráfico de México 70, un referente clave del diseño moderno en el país. Esta decisión aporta fuerza, legibilidad y una conexión directa con un momento histórico donde el diseño mexicano adquirió proyección internacional, reinterpretado aquí desde una mirada contemporánea.
Los elementos gráficos incorporan íconos culturales como luchadores y figuras simbólicas, utilizados de forma sintética y lúdica, evitando la ilustración literal y apostando por un lenguaje visual limpio y directo. El uso de etiquetas shrink sleeve permite una integración total del diseño en la lata, reforzando la idea de pieza gráfica completa y coleccionable.
Albur se plantea como un ejercicio de diseño que celebra el cruce entre tradición y contemporaneidad, donde el empaque se convierte en un medio narrativo. Un proyecto que transforma el albur, la herbolaria y la identidad visual mexicana en una experiencia gráfica fresca, inteligente y profundamente local.
10 / Mobiliario Sillas y Lounge
Estos tres proyectos de mobiliario exploran un mismo sistema constructivo basado en ensambles por cuñas, concebido bajo los principios de flat pack y ensamblaje libre de herramientas. El sistema fue desarrollado como un ejercicio estructural y formal, donde cada pieza se construye a partir de componentes planos que se bloquean entre sí mediante geometrías de presión, eliminando la necesidad de herrajes o procesos complejos de montaje.
Uno de los proyectos corresponde a una silla lounge diseñada a partir de un estudio ergonómico enfocado en las inclinaciones necesarias para favorecer la digestión. Este ejercicio toma como referencia una silla atribuida a El Greco, desarrollada hace varios siglos, reinterpretando sus proporciones y ángulos desde una lectura contemporánea y funcional.
La segunda pieza fue creada para un concurso de diseño de Volvo. Su desarrollo formal se inspira directamente en la calavera trasera del automóvil, así como en las texturas y superficies utilizadas en sus vehículos. La silla traduce estos elementos automotrices en un lenguaje estructural y gráfico aplicado al mobiliario, manteniendo coherencia entre forma, material y sistema de ensamble.
El tercer proyecto corresponde a las sillas de la línea Beat, un sistema de asientos que fue reconocido con el premio A’ Design Award en 2016. Esta línea profundiza en la versatilidad del sistema de cuñas, permitiendo variaciones formales a partir de una misma lógica constructiva.
Las tres piezas fueron seleccionadas para formar parte de la exhibición y concurso del Museo Nacional de Diseño MUMEDI, consolidando este ejercicio como una investigación integral en diseño de mobiliario, donde estructura, ergonomía, concepto y procesos de producción se articulan dentro de un mismo sistema.
11 / Linea de Cerveza World Beer Series
World Beer Series es una colección de cervezas artesanales concebida como un proyecto de diseño integral que utiliza el empaque como vehículo de exploración cultural. La serie celebra estilos cerveceros icónicos de distintas regiones del mundo, traduciendo cada uno en una identidad visual propia sin perder la coherencia del sistema general.
Cada lata representa un país a través de su estilo más emblemático —Mexican Lager, English Porter, Belgian Dubbel, German Münchner Helles, Irish Stout y Czech Pilsner— desarrollando un lenguaje gráfico que combina referencias contemporáneas con elementos culturales específicos. El storytelling se construye a partir de personajes inspirados en el universo de los art toys, vestidos con indumentaria y símbolos tradicionales reinterpretados desde una estética moderna.
El desarrollo del proyecto implicó la creación de un sistema visual flexible, capaz de adaptarse a múltiples estilos y paletas cromáticas sin fragmentar la identidad de la línea. La selección de colores responde tanto al perfil sensorial de cada cerveza como a los códigos culturales de su país de origen, facilitando la diferenciación en anaquel y reforzando la lectura narrativa.
La ilustración funciona como eje central del diseño, permitiendo humanizar cada estilo y convertirlo en un personaje reconocible, mientras que la estructura gráfica mantiene consistencia tipográfica, jerarquías claras y una lectura limpia de información. El resultado es un equilibrio entre colección y singularidad, donde cada lata puede funcionar de forma individual o como parte de un conjunto.
World Beer Series transforma el empaque en una experiencia visual y conceptual, invitando al consumidor a recorrer el mundo a través del diseño y la cerveza, y posicionando la línea como un ejercicio de storytelling aplicado al packaging contemporáneo.
12 / Linea de Cajas Treasures
Treasures es una línea de seis cajas conceptuales en resina diseñada para resguardar objetos de alto valor emocional: pertenencias pequeñas pero profundamente significativas para cada persona. El proyecto parte de la idea del tesoro no como valor material, sino como memoria, herencia y vínculo personal.
El storytelling de la línea se construye a partir de referentes de la cultura mexicana, utilizados como símbolos de protección, recuerdo y significado. Cada caja desarrolla un relato visual propio, inspirado en elementos como el tzompantli, reinterpretado desde una lectura contemporánea; los milagros tradicionales que se cuelgan a los santos como expresión de fe y gratitud; y la lotería mexicana, entendida como un sistema de imágenes colectivas cargadas de identidad.
Otros referentes integrados en la narrativa incluyen la sandía y los alcatraces, elementos presentes en el imaginario popular y artístico mexicano, así como las llaves de cobre antiguas, asociadas a la memoria doméstica y a las generaciones pasadas, particularmente a las abuelas y bisabuelas, como guardianas de historias y objetos.
La selección cromática juega un papel central en el proyecto, utilizando colores intensos y contrastantes que remiten directamente a la cultura visual mexicana. Estos colores no solo diferencian cada pieza dentro de la línea, sino que refuerzan el carácter simbólico de cada narrativa.
La resina funciona como medio y concepto: encapsula, protege y conserva. De esta forma, Treasures se plantea como una colección de objetos que trascienden su función utilitaria para convertirse en contenedores de memoria, donde diseño, cultura y storytelling se integran en una experiencia íntima y personal.
13 / Proyecto Chilanga Mi Amor
Chilanga Mi Amor es un proyecto de diseño de empaque desarrollado para Maldad Brewing como una cerveza artesanal de edición especial, concebida desde el diseño como una plataforma de expresión cultural y posicionamiento ideológico dentro de la cerveza independiente mexicana.
El proyecto se origina como apoyo a un movimiento de cerveceros que busca promover y proteger el valor de la cerveza independiente en México. Desde esta premisa, el empaque se plantea no solo como contenedor, sino como un medio narrativo capaz de comunicar identidad, pertenencia y postura.
La propuesta visual funciona como un homenaje a la Ciudad de México y a su identidad chilanga: una mezcla de energía, humor, resistencia y complejidad cotidiana. El diseño integra gráficos contundentes, texturas urbanas y referencias lúdicas a la vida diaria de la ciudad, construyendo un lenguaje visual que conecta con el entorno urbano y su ritmo acelerado.
El sistema gráfico toma inspiración del arte urbano, los patrones tradicionales y símbolos locales icónicos, reinterpretados desde una mirada contemporánea. Cada decisión formal —color, composición e ilustración— responde a la intención de capturar la diversidad, el caos y la vitalidad que definen a la ciudad.
Chilanga Mi Amor se desarrolla como un ejercicio donde diseño, cultura y mensaje se integran en una sola pieza. Más que un empaque, el proyecto se plantea como una declaración de amor a la Ciudad de México y a la comunidad cervecera independiente, utilizando el diseño como herramienta de identidad, visibilidad y resistencia cultural.
14 / Booth Comercial L'Oréal
Este proyecto consistió en el diseño y desarrollo de un booth comercial para la marca L’Oréal, implementado dentro de una tienda departamental en la ciudad de Guadalajara. El objetivo fue crear un espacio de exhibición alineado de forma precisa con la estética, el lenguaje visual y los lineamientos globales de la marca, adaptándolos a las condiciones específicas del punto de venta.
El proceso inició a partir del análisis de los planos de piso de la tienda, lo que permitió definir la ubicación, circulación y dimensiones del booth, optimizando la visibilidad del producto y la experiencia del usuario dentro del espacio comercial. A partir de esta información se desarrolló una propuesta integral que incorpora cajas de luz, glorificadores de producto y áreas de guarda, organizadas bajo un sistema claro y funcional.
El diseño formal respeta la línea estética de L’Oréal, utilizando materiales, acabados y proporciones coherentes con su identidad de marca, al mismo tiempo que responde a las necesidades operativas del entorno retail. Cada elemento fue pensado para facilitar la exhibición, el acceso al producto y el mantenimiento cotidiano del módulo.
El alcance del proyecto incluyó el desarrollo completo de la ingeniería para su producción, considerando procesos constructivos, selección de materiales, sistemas de armado y viabilidad de fabricación. Asimismo, se llevó a cabo la supervisión directa de la fabricación y el montaje en sitio, asegurando que la ejecución final correspondiera fielmente al diseño planteado y a los estándares de calidad requeridos por la marca.
El resultado es un booth comercial que integra diseño, técnica y ejecución, funcionando como un punto de contacto sólido entre marca y consumidor, y demostrando un enfoque integral en el desarrollo de espacios comerciales para retail.
15 / Comedor MayoCinco
Mayo Cinco es un proyecto de diseño de mobiliario que explora la relación entre identidad cultural, innovación constructiva y portabilidad. El comedor está compuesto por una mesa cuadrada y cuatro sillas, concebidas como un sistema integral que combina diseño contemporáneo con referencias a la tradición gráfica mexicana.
La pieza está fabricada en tripla de bambú de una pulgada de espesor y tablero de ingeniería Valchromat de color integral, materiales seleccionados por su resistencia estructural, estabilidad dimensional y calidad estética. La materialidad se ve reforzada por el uso de acabados sustentables, alineados con una visión responsable del diseño y la producción.
El sistema constructivo se basa en el sistema patentado Wedgewood de cuñas y ensambles, lo que permite un armado completamente libre de herramientas. Este enfoque no solo simplifica la experiencia del usuario, sino que define la lógica formal del proyecto, donde la estructura y el ensamble se convierten en parte visible y esencial del diseño.
Mayo Cinco fue concebido bajo el principio de flat pack, permitiendo que todo el comedor pueda transportarse en la cajuela de un auto compacto. Esta decisión responde a una visión contemporánea del mobiliario: piezas pensadas para una logística eficiente, fácil almacenamiento y montaje intuitivo, sin comprometer estabilidad ni durabilidad.
Formalmente, el diseño se construye a partir de líneas simples y modernas que sirven como contrapunto a los patrones de los respaldos, inspirados en el papel picado mexicano. Esta referencia cultural se abstrae y se traduce en geometrías precisas, integrándose de manera sutil al lenguaje del objeto y aportando carácter sin caer en lo literal.
El resultado es un comedor que equilibra tradición e innovación, donde el diseño, la ingeniería y la materialidad convergen en un sistema funcional, transportable y visualmente sólido.
16 / Centro de Desayuno PepsiCo
El proyecto Centro de Desayuno fue desarrollado para PepsiCo, como un exhibidor comercial destinado a tiendas de conveniencia. El sistema fue diseñado para integrarse junto al área de café, funcionando como un punto concentrador de productos PepsiCo pensados para el consumo matutino, ya sea como desayuno o como acompañamiento del café.
El diseño del exhibidor responde a criterios de eficiencia espacial y alto desempeño en punto de venta. La estructura fue concebida para ocupar el mínimo espacio posible, permitiendo al mismo tiempo una alta capacidad de carga, una clara diferenciación entre productos y una lectura visual inmediata, facilitando la elección del consumidor y la operación diaria en tienda.
El exhibidor está fabricado en lámina doblada y pintada electrostáticamente, garantizando resistencia, durabilidad y un acabado adecuado para entornos de alto tráfico. Los divisores interiores se desarrollaron en plástico PET-G, mientras que los laterales termoformados permiten contener el producto sin perder visibilidad ni accesibilidad.
Cada decisión de diseño estuvo orientada a la facilidad de uso, el surtido eficiente y la durabilidad del sistema. El resultado es una solución robusta, funcional e intuitiva, alineada con las necesidades operativas de las tiendas de conveniencia y con los estándares de una marca global como PepsiCo.
El proyecto integra diseño industrial, ingeniería y experiencia de usuario en un solo sistema, demostrando cómo el diseño puede potenciar la visibilidad de marca y optimizar la experiencia de compra en punto de venta.
17 / Counter Nespresso
El proyecto Counter Nespresso consistió en el diseño y desarrollo de un counter de doble vista destinado a la exhibición de cafeteras Nespresso, así como a la degustación de café y demostración del uso de los equipos en punto de venta. El mueble fue concebido como un elemento central dentro del espacio comercial, capaz de operar simultáneamente hacia ambos frentes.
El diseño integra cajas de luz para la correcta exhibición del producto, áreas de guarda para operación y almacenaje, y superficies de trabajo pensadas para la preparación y servicio de café. La distribución y proporciones del counter responden tanto a la experiencia del usuario como a las necesidades operativas del personal.
El alcance del proyecto incluyó el desarrollo completo de la ingeniería y la fabricación del mueble, considerando los altos estándares de calidad, precisión y acabado que exige la marca Nespresso. Cada detalle fue definido para garantizar estabilidad estructural, durabilidad y una lectura visual acorde con el posicionamiento premium de la marca.
En términos de materialidad, el counter fue fabricado en tablero de melamina, con cubiertas en Corian, un material que requiere procesos especializados para su conformado, unión y acabado. La selección de estos materiales respondió a criterios de resistencia, higiene, mantenimiento y calidad estética, fundamentales en un entorno de demostración y consumo de alimentos.
El resultado es un mueble que integra diseño, ingeniería y manufactura de alto nivel, alineado con la identidad de Nespresso y enfocado en ofrecer una experiencia de marca consistente, funcional y cuidadosamente ejecutada en punto de venta.
18 / Comedor Garden
Comedor Garden es un proyecto de mobiliario exterior diseñado a partir del sistema Wedgewood de cuñas y ensambles, desarrollado en triplay de bambú como material estructural principal. El proyecto explora la adaptabilidad, la modularidad y la facilidad de armado como ejes centrales del diseño, sin comprometer resistencia ni experiencia de uso.
El comedor fue concebido específicamente para exteriores, integrando un sistema de toldo estructurado que se arma a partir del mismo set de piezas del mobiliario. El toldo utiliza tela para exterior y se monta de forma sencilla, completamente libre de herramientas, manteniendo la lógica flat pack que define todo el sistema. Esta solución permite proteger el área de comedor y extender su uso en distintas condiciones climáticas.
La estructura incorpora postes verticales que no solo sostienen el toldo, sino que permiten la integración de charolas suspendidas en un segundo nivel. Estas charolas amplían la superficie útil del comedor, ofreciendo espacio adicional para colocar alimentos, utensilios o accesorios sin interferir con la mesa principal. El sistema contempla accesorios que permiten conservar estas charolas flotantes incluso cuando el toldo no está instalado.
El conjunto se compone de dos bancas y dos sillas, diseñadas para acomodar cómodamente hasta diez personas. Los asientos cuentan con cortes estratégicos que permiten el paso del agua de lluvia, evitando acumulaciones que puedan acelerar la degradación del material. Asimismo, se incorporaron cortes específicos para colgar bolsas o pequeños accesorios, liberando la zona de la mesa y garantizando comodidad durante su uso.
Todos los componentes del comedor se desmontan fácilmente y pueden transportarse en formato flat pack, facilitando almacenamiento, traslado y mantenimiento. El proyecto se complementa con el uso de acabados ecológicos, reforzando una visión responsable del diseño aplicada al mobiliario de exterior.
Comedor Garden integra diseño, ingeniería y sostenibilidad en un sistema versátil, pensado para convivencias al aire libre donde la funcionalidad, el confort y la eficiencia constructiva se articulan en una sola propuesta.
19 / Logotipo Genial
GENIAL nació como una plataforma de innovación disruptiva concebida desde el lenguaje y el símbolo antes que desde un producto específico. El proyecto se planteó como una exploración conceptual sobre creatividad, futurismo y materialización de ideas, entendiendo la identidad como una construcción semántica capaz de representar transformación, imaginación y fuerza intelectual.
El desarrollo del nombre partió de una investigación profunda sobre el significado y la estructura de la palabra “Genial”. Más allá de su uso cotidiano, el término fue analizado como sistema: GEN entendido como origen, ADN, génesis y arquetipo; IAL como resonancia que sugiere identidad y presencia.
Se exploraron distintas variaciones tipográficas y fonéticas con el objetivo de probar su elasticidad conceptual, su potencial futurista y su carácter disruptivo. La consolidación del nombre respondió a su claridad, contundencia y capacidad de equilibrar accesibilidad con profundidad simbólica. La palabra funciona simultáneamente como afirmación, como atributo intelectual y como punto de partida, generando una base sólida para el posicionamiento conceptual del proyecto.
El logotipo y el símbolo se desarrollaron a partir de la secuencia mente → idea → materialización. El sombrero actúa como metáfora de la mente, contenedor de pensamiento e imaginación. Los goggles integrados introducen una referencia al imaginario steampunk, evocando la observación, la experimentación y la proyección hacia futuros posibles. En la base, el wormhole funciona como metáfora visual del tránsito de la idea desde el plano abstracto hacia su concreción tangible, representando disrupción, transformación y proyección.
Formalmente, el sistema evolucionó desde una aproximación más ilustrativa hacia una síntesis gráfica más icónica y estructurada en alto contraste, fortaleciendo su legibilidad, reproducibilidad y carácter atemporal. El logotipo caligráfico introduce una tensión deliberada entre expresión y estructura, equilibrando racionalidad constructiva con intuición creativa.
GENIAL se concibe así como una arquitectura semántica autónoma, donde naming y símbolo operan como un sistema coherente. Es un ejercicio de cómo el diseño puede construir significado desde el lenguaje y traducir una filosofía de innovación en una identidad visual sólida y estructurada.
20 / Ilustración Heaven & Hell
02 / Linea de Mobiliario Beat
Hell & Heaven es un proyecto de construcción de universo de marca que nace desde la ilustración conceptual y evoluciona hacia la materialización hiperrealista mediante herramientas digitales e inteligencia artificial. El objetivo no fue únicamente crear personajes atractivos, sino desarrollar un sistema narrativo sólido capaz de diferenciar una línea dentro del mercado, generar storytelling consistente y expandirse a múltiples formatos como imagen, video y campañas digitales. Desde el inicio, el enfoque fue estratégico: cada personaje debía representar una fuerza simbólica clara y, al mismo tiempo, integrarse dentro de una estructura visual coherente y escalable.
La narrativa se construyó alrededor de la dualidad como motor de identidad. El personaje central encarna poder y decisión, mientras que sus contrapesos representan estrategia e impulso. Esta dinámica permite generar escenas cargadas de tensión psicológica y profundidad conceptual sin depender de un solo recurso visual. Más que ilustraciones aisladas, se diseñó un ecosistema de personajes con relaciones claras, jerarquías definidas y un lenguaje estético consistente que puede evolucionar con la marca a lo largo del tiempo.
El proceso comenzó con ilustración digital como laboratorio creativo, donde se definieron siluetas, proporciones, paletas cromáticas y psicología visual. Esta etapa permitió validar identidad y narrativa antes de avanzar a producción, optimizando decisiones desde el diseño. Posteriormente, las herramientas digitales facilitaron la iteración en vestuario, iluminación, composición y escalabilidad para distintos formatos, reduciendo tiempos de desarrollo y fortaleciendo la coherencia visual del sistema.
La integración de inteligencia artificial marcó el siguiente paso: transformar ilustración en presencia tangible.
La IA no sustituyó el diseño, sino que actuó como extensión del proceso creativo, permitiendo traducir conceptos en escenas cinematográficas hiperrealistas, explorar variaciones en menor tiempo y generar activos visuales premium sin depender exclusivamente de producción tradicional. Esto hizo posible construir un universo visual que mantiene fidelidad conceptual mientras amplía sus posibilidades de aplicación.
El resultado es una línea que combina dirección de arte, narrativa y tecnología para crear valor estratégico. Hell & Heaven demuestra cómo la ilustración, el pensamiento conceptual y la inteligencia artificial pueden integrarse en un mismo flujo creativo para desarrollar marcas con identidad profunda, visualmente potentes y preparadas para activarse en múltiples plataformas.